La Ligne verte est le film de la semaine des 5 films à voir à la télé

Un cadeau d'anniversaire peut-il démolir une vie entière ? Dans "The Game", une simple carte de visite suffit à faire vaciller un homme qui croyait tout tenir en main.

À San Francisco, Nicholas Van Orton (Michael Douglas) gère sa fortune comme son agenda : à la minute près, et sans personne autour de lui. Pour ses quarante-huit ans, son cadet (Sean Penn), le mouton noir de la famille, l'inscrit à un mystérieux jeu, organisé par une société dont personne ne sait rien. Après une série de tests étranges, il ne se passe rien. Puis de petits incidents s'invitent dans ses journées, et l'homme d'affaires ne sait plus où s'arrête la partie.

Écrit en 1991, le scénario passe d'un studio à l'autre : au début, un autre réalisateur et d'autres acteurs devaient le tourner. Puis David Fincher reprend "The Game". Deux ans après Seven, il tourne presque tout dans les rues de San Francisco, parce que les studios de Los Angeles revenaient trop cher. La demeure de la famille Van Orton est un vrai manoir de Californie. Le Golden Gate Park, le quartier chinois et l'aéroport servent aussi de décors.

Fort du succès de son film précédent, David Fincher peut viser une tête d'affiche. Michael Douglas hésite d'abord, car le budget lui paraît modeste, puis son nom aide à trouver l'argent qui manque. Pour le frère, la production pense un temps à Jeff Bridges, qui refuse. Sean Penn hérite alors du rôle de ce frère qui dépense sans compter, à l'opposé de son aîné, si rigide.

Le film avance comme un piège qui se referme lentement. Chaque appel, chaque inconnu croisé dans la rue peut faire partie du jeu, ou pas. Le spectateur reste à la place du héros, sans une longueur d'avance sur lui, et se met à soupçonner tout le monde.

En France, plus d'un million de spectateurs vont voir "The Game" en salles à l'automne 1997. David Fincher y affine son goût pour les histoires où le héros ne peut se fier à personne, pas même à ses yeux. Et sa dernière scène ne se raconte pas.

Sans renier la vieille série, "Star Trek" tente un pari risqué : un voyage dans le temps change le destin de ses héros, et leur histoire repart de zéro.

Le jeune Kirk (Chris Pine) a grandi sans père, et il ne supporte pas qu'on lui donne des ordres. Pourtant, un capitaine voit en lui un futur officier et le convainc de s'engager dans Starfleet, la flotte de la Fédération. À l'école des officiers, il se heurte à Spock (Zachary Quinto), à moitié vulcain, qui place la logique au-dessus de tout. Puis un vaisseau ennemi, sorti d'un trou noir, attaque Vulcain, la planète de Spock, et les deux rivaux doivent apprendre à se faire confiance.

Pour "Star Trek", J. J. Abrams, le réalisateur de Mission impossible 3, préfère les vrais lieux aux studios. La salle des machines du vaisseau Enterprise est une brasserie de Los Angeles, et le parking d'un stade de base-ball devient une planète de glace. Le chef opérateur éclaire exprès l'objectif de la caméra : des traits de lumière traversent sans cesse l'image, comme des reflets sur une vitre.

Avant le tournage, Chris Pine écrit à William Shatner, le Kirk de la série, qui lui donne son accord. Pour trouver le ton, le jeune acteur pense à Tom Cruise dans Top Gun et à Harrison Ford en Han Solo. Zachary Quinto, connu pour la série Heroes, n'avait encore jamais tourné au cinéma. Le médecin de bord (Karl Urban) complète le trio, et le Spock de la série (Leonard Nimoy) relie les deux époques. Quant à Simon Pegg, il reçoit le rôle de l'ingénieur par un simple e-mail du réalisateur.

Le rythme ne retombe presque jamais : combats à mains nues, mission sur une foreuse géante, fuite sur une planète gelée. L'humour passe par les échanges entre Kirk, tout feu tout flamme, et Spock, qui ne laisse rien paraître. Au générique de fin, la musique reprend le thème de la série d'origine.

À sa sortie en 2009, "Star Trek" remporte l'Oscar du meilleur maquillage. Il relance aussi une saga qui sortait d'un échec en salles, Star Trek : Nemesis. Une suite, Star Trek Into Darkness, sort en 2013.

Dans "Fantastic Mr. Fox", un renard rangé des affaires ne résiste pas à l'appel du poulailler, et tous les animaux du coin en paient le prix.

Un renard (en version française, Mathieu Amalric) a promis à sa femme (en version française, Isabelle Huppert) de ne plus voler. Il écrit dans un journal et élève leur fils, petit et maladroit, qui souffre de la comparaison avec un cousin grand et doué pour le sport. Mais trois fermiers du voisinage entassent volailles et cidre, et la tentation est trop forte. Alors le renard recommence à voler, sans rien dire à sa famille. Furieux, les trois hommes lui déclarent la guerre, et toute la faune doit fuir sous la terre.

Le réalisateur Wes Anderson (La Vie aquatique) tourne "Fantastic Mr. Fox" image par image, comme les vieux films de marionnettes. Chaque geste est photographié pose après pose, dans un studio de Londres : au total, plus de 621 000 photos. Au départ, Wes Anderson devait réaliser le film avec un spécialiste de l'animation, mais celui-ci part tourner Coraline. Le film adapte un livre pour enfants de Roald Dahl, l'auteur de Charlie et la Chocolaterie.

Dans la version originale, le renard (George Clooney) et sa femme (Meryl Streep) forment un couple de stars. L'actrice arrive en remplacement de Cate Blanchett, prévue au départ. Autour d'eux, le réalisateur rappelle des acteurs qui ont déjà tourné avec lui : le blaireau du voisinage (Bill Murray), ou un rat menaçant (Willem Dafoe), devenu le gardien d'un des fermiers.

Derrière les vols de poules, le film parle d'un père qui ne comprend pas son fils, et d'un fils qui voudrait seulement être remarqué. La bande originale mêle les Beach Boys, les Rolling Stones et deux musiques de films de François Truffaut. Le cidre d'un des fermiers, gardé dans une cave secrète, devient l'enjeu de toutes les ruses.

En salles, "Fantastic Mr. Fox" ne trouve pas son public. Pourtant, en 2010, le festival d'Annecy, la grande fête du cinéma d'animation, lui remet sa plus haute récompense pour un long métrage, le Cristal. Les Cahiers du cinéma le placent cinquième de leurs dix meilleurs films de l'année.

Dans une maison de retraite, un vieil homme fond en larmes devant un vieux film, Le Danseur du dessus. "La Ligne verte" part de ces larmes pour remonter le temps.

En 1935, Paul Edgecomb (Tom Hanks) dirige le quartier des condamnés à mort d'un pénitencier du sud des États-Unis. Avec ses gardiens, il veut que les prisonniers vivent leurs derniers jours dans le calme. Un jour arrive John Coffey (Michael Clarke Duncan), un géant condamné pour un double meurtre. Mais cet homme doux comme un enfant semble porter un secret. Bientôt, des faits inexplicables se produisent dans le couloir.

Le réalisateur Frank Darabont (Les Évadés) écrit le scénario de "La Ligne verte" en pensant déjà à Tom Hanks. Pour la façade de la prison, il filme l'ancienne prison d'État de Nashville, qu'il avait écartée pour Les Évadés. La ligne verte du couloir est en linoléum. Quand les cadreurs veulent y visser leur matériel, le réalisateur refuse de l'abîmer : ils calent finalement leurs caméras avec des sacs de sable.

C'est Bruce Willis qui appelle le réalisateur pour lui recommander Michael Clarke Duncan, son partenaire d'Armageddon. Pour son rôle, l'acteur travaille avec un coach afin de donner à John Coffey l'âme d'un enfant de cinq ans. Tom Hanks devait aussi jouer Paul centenaire, et les essais de maquillage étaient bons. Mais face à de vraies personnes âgées, il ne se sent pas à l'aise, et un acteur de 81 ans reprend le rôle. Le gardien sadique offre son premier grand rôle à un acteur découvert dans la série X-Files.

Le film prend son temps, comme le récit d'un vieil homme qui se souvient. Les gardiens ménagent les condamnés autant par humanité que pour éviter les crises de nerfs, et une souris apprivoisée apporte un peu de douceur dans le couloir. Les quatre hommes s'estiment, et ils se reçoivent même les uns chez les autres.

En 2000, "La Ligne verte" vaut à Michael Clarke Duncan une nomination à l'Oscar, dans la catégorie des seconds rôles. En France, le public le porte très haut : sur Allociné, les spectateurs le placent au deuxième rang de leurs films préférés, juste derrière Forrest Gump.

Un roi du cannabis, des lords complaisants et un maître chanteur bavard : avec "The Gentlemen", Guy Ritchie retrouve le Londres des voyous qui l'a fait connaître.

Mickey Pearson (Matthew McConaughey), venu des États-Unis, a bâti en Angleterre un empire du cannabis, caché dans des propriétés de la vieille noblesse. Fatigué, il veut vendre et se retirer. La nouvelle aiguise vite les appétits, et chacun tente de prendre sa part. Un soir, son bras droit Raymond (Charlie Hunnam) trouve chez lui un détective privé (Hugh Grant), entré sans y être invité. L'homme a réuni des preuves, et il compte bien se faire payer son silence.

Guy Ritchie avait d'abord imaginé cette histoire comme une série télévisée, avant d'en faire un film. Le projet change deux fois de nom en route, Toff Guys puis Bush, avant de devenir "The Gentlemen". Le tournage a lieu à Londres et autour de la ville, jusqu'aux abords du stade d'Arsenal, et dans de vrais pubs de quartier.

Matthew McConaughey et Hugh Grant sont parmi les premiers noms annoncés, en octobre 2018. Le second retrouve ainsi Guy Ritchie après Agents très spéciaux : Code UNCLE, dans un rôle de fouineur sans scrupules. Le mois suivant arrive un entraîneur de boxe (Colin Farrell), mêlé à l'affaire par la faute de ses élèves. Quant à la femme de Mickey, elle gère aussi une partie des affaires de son mari.

Le récit avance par allers-retours, au fil de ce que raconte le détective, qui arrange les faits à sa façon. Guy Ritchie glisse aussi ses clins d'œil : dans le bureau d'un producteur de cinéma, l'affiche d'un de ses anciens films, et devant un pub, le camion de la brasserie qui lui appartient.

En France, "The Gentlemen" attire 630 925 spectateurs en salles en 2020. En mars 2024, une série du même nom prolonge l'univers du film sur Netflix, avec la participation de Guy Ritchie.