5 films à voir à la télé cette semaine

Un enfant renversé sur une route de Bretagne. Un père qui écrit noir sur blanc dans son journal : je trouverais le chauffard, et je le tuerais.

Voilà le point de départ de "Que la bête meure", adapté d'un roman anglais de Nicholas Blake que Claude Chabrol avait découvert à dix-sept ans en revendant de fausses éditions dédicacées. Charles Thénier (Michel Duchaussoy), écrivain pour enfants, remonte patiemment la piste du meurtrier de son fils jusqu'à une famille bourgeoise où règne un tyran domestique, Paul Decourt (Jean Yanne), détesté par tous les siens. La vengeance, d'abord solitaire, devient alors un désir partagé.

Chabrol tourne ce film en 1969 sur la presqu'île de Crozon, dans un Finistère printanier dont la lumière tranche avec la noirceur de l'histoire. Cette ironie du décor est sa signature. La caméra observe froidement les rituels de la table, les promenades en mer, les silences autour du dîner, et laisse percevoir une cruauté sourde. D'ailleurs, le premier des Quatre chants sérieux de Brahms, chanté par Kathleen Ferrier, ouvre et ferme le film comme un requiem.

Michel Duchaussoy, alors sociétaire de la Comédie-Française et presque inconnu du grand écran, compose un père méthodique, hanté, d'une retenue déchirante. Face à lui, Jean Yanne crève l'écran en salaud magnifique, odieux jusque dans ses éclats de rire. Caroline Cellier, dans le rôle de la belle-sœur qui s'attache à Charles, apporte une fragilité lumineuse. Maurice Pialat, ami de Stéphane Audran, glisse aussi sa silhouette dans le rôle du commissaire.

Plus qu'une enquête, "Que la bête meure" est une tragédie morale sur la légitimité de la vengeance. Chabrol y déploie son obsession favorite : la violence qui couve sous le vernis des familles respectables, comme dans "La Femme infidèle" tourné la même année. Le face-à-face final entre le père et le meurtrier reste un sommet du cinéma français.

Plus d'un million de spectateurs en 1969, une place durable dans le panthéon Chabrol, et une mise en scène qui n'a rien perdu de son tranchant. "Que la bête meure" se regarde aujourd'hui comme on relit un grand livre noir : avec le plaisir inquiet de reconnaître un maître au travail.

Un chevalier du 12ème siècle et son écuyer crasseux débarquent par erreur dans la France de 1992. Trente-trois ans plus tard, on en rit toujours autant.

L'idée du film "Les Visiteurs", le réalisateur Jean-Marie Poiré l'avait griffonnée dans un cahier d'écolier à dix-sept ans, pendant un cours de mathématiques. Il la ressort en 1990 et la confie à Christian Clavier pour l'écriture. Godefroy de Montmirail, bon sang et grande épée, vient de tuer accidentellement le père de sa promise après un philtre de sorcière. Un enchanteur doit le renvoyer dans le passé. Rate son coup. Godefroy et Jacquouille la Fripouille atterrissent dans une France moderne peuplée de postiers, de dentistes et de descendants qui ne comprennent rien à leurs manières.

Poiré filme "Les Visiteurs" avec une énergie mécanique : plans courts, cadrages nerveux, musique chorale d'Éric Lévi mixée avec guitares électriques, costumes partiellement récupérés de tournages précédents — la tenue d'Enguerrand le Balafré avait été portée par Alan Rickman dans "Robin des Bois, prince des voleurs". Pour la flèche qui traverse la tête du roi, l'équipe a tourné à l'envers sur une centaine de mètres, en démontant les rails au fur et à mesure. Le budget reste modeste, le rythme est monstrueux.

Jean Reno, d'ordinaire solennel, se livre ici à une composition burlesque jubilatoire : son Godefroy tonne, prie, charge dans les salons bourgeois avec un sérieux imperturbable. Christian Clavier, méconnaissable sous la crasse, puise son Jacquouille dans les traits de Pirlouit, le personnage de bande dessinée. Valérie Lemercier enchaîne deux rôles, Frénégonde et Béatrice, et décroche le César du meilleur second rôle féminin en 1994.

"Les Visiteurs" devient le plus gros succès de l'année 1993, avec près de quatorze millions d'entrées. Les répliques entrent dans la langue courante — Okaaayyy, c'est diiinngue, qu'est-ce que c'est que ce binnnz — et traversent les générations. Nommée sept fois aux César, la comédie rejoint "La Grande Vadrouille" et "Le Dîner de cons" au rang des comédies françaises refaites à table en famille, sans jamais lasser.

Dix millions de spectateurs en quelques mois. La plus grosse comédie française des dix dernières années commence par un braquage raté et une voiture à la fourrière.

Pour fuir la police, Paulo et son père, surnommé La Fraise, grimpent in extremis dans le bus d'une colonie de vacances pour jeunes adultes en situation de handicap mental. Le fils se fait passer pour un pensionnaire, le père pour son éducateur spécialisé. "Un p'tit truc en plus" démarre comme un vaudeville de planque et devient tout autre chose — une histoire de groupe, de rencontres, de vies qui se décalent.

Pour son premier film derrière la caméra, Artus tourne à l'été 2023 dans une ferme du Vercors. Son pari : onze comédiens en situation de handicap jouent les vacanciers, et chacun reçoit une direction d'acteur sur mesure. Oreillette pour Ludovic, réplique soufflée à voix haute pour Arnaud, improvisations captées au vol. Le montage garde cette respiration : pas une scène sans eux, pas un plan où ils seraient accessoires. Le cinéma dit "normal" s'efface au profit d'un film choral.

Artus compose un Paulo menteur et attachant, Clovis Cornillac un père cabossé qu'on n'avait pas vu aussi juste depuis longtemps, et Alice Belaïdi, lumineuse en éducatrice, a raconté depuis la jalousie tendre d'une jeune comédienne du film qui refusait de la regarder. Autour d'eux, la troupe de "Un p'tit truc en plus" vit pleinement : le romantique, le fan de Dalida — Orlando a offert les droits musicaux de sa sœur —, la joyeuse, le sans-gêne.

Aucune marque de luxe n'avait voulu habiller l'équipe pour Cannes. Le film a répondu en salles : deuxième meilleur démarrage de l'histoire du cinéma français derrière "Bienvenue chez les Ch'tis", plus de dix millions d'entrées, applaudissements dans les salles pendant la projection. "Un p'tit truc en plus" fait rire avec ses personnages, pas contre eux. C'est exactement ce qui lui donne sa place singulière dans la comédie française récente.

Un comique raté dans un Gotham poisseux, une ville qui s'effondre, un rire qui ne s'arrête plus. Quand "Joker" sort en 2019, personne ne s'attend à un film de super-héros, pas comme celui-là.

Arthur Fleck vit avec sa mère dans un immeuble sans ascenseur, enchaîne les humiliations et travaille comme clown de rue. Il souffre d'un trouble neurologique qui déclenche des crises de rire incontrôlables au pire moment. Todd Phillips, co-scénariste avec Scott Silver, assume ses références : "Taxi Driver" et "La Valse des pantins" de Martin Scorsese, un temps producteur attaché au projet. On est loin de l'univers connecté des films DC. Budget serré de cinquante-cinq millions de dollars, ambition de cinéma d'auteur.

La mise en scène de "Joker" travaille la lenteur et la couleur sale. Le directeur de la photographie Lawrence Sher filme le Bronx comme une jungle. Les 132 marches reliant Shakespeare Avenue à Anderson Avenue deviennent le théâtre d'une danse qui a depuis attiré des milliers de touristes. La musique de l'Islandaise Hildur Guðnadóttir, violoncelle insistant, colle au personnage comme une seconde peau et lui vaudra l'Oscar de la meilleure musique de film.

Joaquin Phoenix a perdu vingt-cinq kilos pour le "Joker", étudié des vidéos de rires pathologiques et fait "auditionner" son rire à son réalisateur avant d'oser le poser devant la caméra. Le résultat est une performance de corps — dos voûté, côtes saillantes, gestes de danseur blessé — qui lui vaut l'Oscar du meilleur acteur, seize ans après celui de Heath Ledger pour le même personnage. Robert De Niro, en animateur télé, joue ici un passage de relais ironique avec "La Valse des pantins" où il était lui-même le fan obsessionnel.

Lion d'or à Venise, huit minutes d'ovation, plus d'un milliard de dollars au box-office mondial, polémique sur la représentation de la violence. "Joker" devient un phénomène. On peut en discuter la morale, son pouvoir de fascination ne se discute pas : rares sont les films dits de super-héros à s'être imposés comme portraits psychologiques.

Une petite fille court dans un ghetto filmé en noir et blanc. Son manteau, seule tache rouge de l'image, suit un industriel au balcon. Ce plan-là a changé la manière de filmer la Shoah.

"La Liste de Schindler" raconte l'histoire vraie d'Oskar Schindler, industriel allemand membre du parti nazi, installé à Cracovie en 1939 pour profiter d'une main-d'œuvre juive bon marché. Au fil de la guerre, en voyant s'organiser la liquidation du ghetto puis le camp de Plaszów, il bascule. Il finit par dresser la liste de 1 200 ouvriers qu'il rachète littéralement aux SS pour les sauver. Le scénario de Steven Zaillian adapte le roman de Thomas Keneally.

Steven Spielberg a refusé tout salaire sur "La Liste de Schindler", estimant qu'il ne voulait pas gagner d'argent sur la Shoah. Le tournage se déroule de mars à mai 1993 dans le quartier de Kazimierz à Cracovie, avec Janusz Kaminski à la photographie — leur première collaboration, le début d'une fidélité de trente ans. Les portes d'Auschwitz restent fermées à l'équipe, qui reconstruit le camp à l'extérieur. Le noir et blanc documentaire, la caméra portée, la musique du violon d'Itzhak Perlman sur la partition de John Williams : tout concourt à une gravité sans effet.

Harrison Ford, Mel Gibson, Kevin Costner avaient été envisagés pour Schindler. Spielberg choisit Liam Neeson, alors peu connu au cinéma, pour ne pas distraire le spectateur. Ben Kingsley incarne Itzhak Stern, le comptable juif qui devient la conscience du patron. Ralph Fiennes, auditionné après "Les Hauts de Hurlevent", compose un Amon Göth glaçant : il prit treize kilos à la Guinness. Une survivante, présentée à lui sur le plateau, se mit à trembler sans pouvoir s'arrêter tant il ressemblait au vrai.

Sept Oscars en 1994, dont meilleur film et meilleur réalisateur, pour un tournage que Spielberg a dit le plus douloureux de sa vie. Le producteur Branko Lustig, rescapé d'Auschwitz, a donné son numéro de prisonnier en recevant la statuette. "La Liste de Schindler" reste, trois décennies après, un film qu'on ne recommande pas à la légère, mais dont on sort transformé.